Вечность мгновения…О живописи Эдуарда Васильева

Юлия Кравцова,

кандидат искусствоведения

 

Теперь я понимаю очень ясно,
и чувствую и вижу очень зримо:
неважно, что мгновение прекрасно,
а важно, что оно неповторимо.

 

Игорь Губерман

 

В октябре 2018 года в залах Национального художественного музея РС (Я) экспонировалась персональная выставка лауреата Государственной премии РСФСР, заслуженного художника России, народного художника Якутии, заслуженного деятеля искусств РС (Я) Эдуарда Иосифовича Васильева, приуроченная к 75-летию со дня его рождения.

Не случайно Эдуард Иосифович назвал свою персональную выставку ЖИВОПИСЬ, тем самым подчеркивая, что, живопись, будучи одним из древнейших видов искусства, не теряет своей ценности и в современное время. Именно живопись позволяет запечатлеть на холсте окружающую нас действительность, и в то же время с помощью красок может выразить разнообразные образы, собственное мироощущение.

Экспозиция, включившая более ста живописных произведений, отразила основные этапы творческого пути автора, познакомила с разнообразными художественными поисками, подвела своеобразный итог его многолетней деятельности в области изобразительного искусства.

В своем творчестве Эдуард Васильев следует традициям реалистической школы русской живописи. Как художник он формировался в 1970-е годы, окончив в 1975 году живописный факультет Института живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина в Ленинграде (мастерская профессора Иосифа Александровича Серебряного).

Современному зрителю Эдуард Васильев известен как автор сюжетно-тематической картины, портрета, пейзажа, натюрморта. Обращаясь к различным жанрам, художник всегда остается искренним и правдивым в изображении окружающего мира, преклоняясь перед жизнью и натурой. Представленные на выставке работы позволили еще раз заглянуть в мир живописного воплощения чувств и мыслей художника.

Интерес в его творчестве вызывают сюжетно-тематические полотна, где нашли концентрированное выражение размышления автора об исторических событиях. Творчески интерпретируя их, используя подлинные документальные источники и старые фотографии, художник сохраняет память об ушедшем времени и людях минувшей поры, соединяет свежесть авторского взгляда на окружающую действительность с трепетной нитью воспоминаний. Его полотна рождаются с помощью классически уравновешенных статичных композиций, «размытых» цветовых построений. Художник использует монохромный колорит, построенный на тончайших нюансах одного ведущего цвета, положенного гладким ровным слоем. В картинах нет динамичного действия, но есть ощущение психологической атмосферы изображаемых событий. Используя стилистику старой фотографии, живописец стремится к передаче вечности мгновения. В произведениях «Писатель Анемподист Софронов с отцом. 1907 год» (1977), «В Хамовниках. П. Н. Сокольников у Л. Н. Толстого. 1898 год» (1981), «Похороны ревкомовца» (1985), «Дети тридцатых» (1987), «Политссыльный в Якутске» (1987), «Старый Якутск» (1990) чувствуется некая магия созерцания, это жизнь, застывшая в бесконечной вневременной неподвижности.

Картина «Писатель Анемподист Софронов с отцом. 1907 год» (1977) стала этапной для творчества художника, утверждая преемственную взаимосвязь поколений, жизненно-нравственную ценность семьи. Именно в семье видит живописец корни формирования личности, запечатленного на полотне деревенского парня из якутской глубинки, Анемподиста Ивановича Софронова (1886-1935), ставшего одним из основоположников национальной литературы и театра. Юноша и старик изображены у стены деревянного сруба. Конь вдали у резной коновязи воспринимается в поэтическом плане: он как бы ждёт своего седока, которому предстоит дальняя дорога. В картине привлекает чистота и ясность: она ощутима и в природе – в светлой зелени земли, безоблачности высокого голубого неба, устойчивой конструктивности, пластичности форм народной деревянной архитектуры и в состоянии персонажей. Спокойные и неподвижные – так неподвижно замирают перед объективом старинного медлительного фотоаппарата – отец и сын, отдалённые от зрителя пеленой времени, предстают в длящееся вечность мгновение, словно перед лицом истории. Строгий колорит обладает богатством градаций, которые несут на себе отсветы духовной сложности мира героев картины. Сколько-нибудь развернутого действия в ней не происходит, детали отобраны очень скупо и не складываются в последовательное, развитое во времени описание, которое иногда служит в живописи особой формой сюжетного рассказа. Синтактика уступает здесь место парадигматическим отношениям, свойственным поэтике традиционного искусства.

Стремление автора передать в картине духовные истоки народа проявилось в произведении «В Хамовниках. П.Н. Сокольников у Л. Н. Толстого. 1898год» (1981). Сюжетной основой полотна послужила прочитанная Эдуардом Васильевым переписка врача Прокопия Нестеровича Сокольникова с великим русским писателем Л.Н. Толстым. Художника поразила простота общения Льва Николаевича с никому неизвестным молодым выпускником Московского университета. Воссоздавая образы Сокольникова и Толстого, художник вновь обращается к фотографии. В картине художник представил момент, когда знаменитый писатель пригласил врача в свое имение в Хамовниках и в беседе попросил сопровождать ссыльных сектантов – духоборов в Якутию. Всматриваясь в полотно, зритель будто становится третьим и невольным свидетелем встречи, участником «безмолвного разговора» на холсте.

В «Похоронах ревкомовца» (1985) Васильев обращается к теме гражданской войны. Но художника волнуют не партийная принадлежность персонажей, идейная борьба во имя светлого будущего, а философское осмысление драматичности человеческого бытия, конкретно — смерти. На фоне старой лиственницы в центре композиции изображен момент прощания с погибшим товарищем группы людей, застывших в скорбном молчании, молчаливо переживающих свое горе. Напряженную атмосферу картины, угнетенное состояние людей подчеркивают сдержанная цветовая гамма, несколько плоскостная трактовка пространства, умелое использование в композиционном построении взаимопересекающихся горизонталей и вертикалей. Все подчинено достижению максимально выразительного образного решения трагической темы.

Сюжет, изображённый в картине «Дети тридцатых» (1987), незамысловат: разновозрастная группа сельских школьников из далеких 1930-х годов с тетрадными листочками в руках внимательно всматривается в объектив фотоаппарата. Композиция не перегружена деталями, взгляд зрителя прикован к выражениям лиц детей. Художник старается ухватить, удержать хотя бы на холсте утекающее, словно песок между пальцами, время, передать мечты и стремления к новому, неизведанному потянувшегося к знаниям юного поколения.

Зримым воплощением памяти о Великой Отечественной войне стала картина «Братья» (2010). Произведение композиционно решено как групповая фотография. Это сходство поддерживается колоритом, основанным на светлых, блеклых тонах с доминирующими белым и серым цветами. Художник изображает прошлое не отстранённо, но словно страницу семейного альбома. Собранность композиции, колорит, выдержанный в почти монохромной цветовой гамме, четкость широко обобщённых объемов, сообщают произведению строгую, торжественную одухотворённость и монументальность.

Особый интерес на выставке вызвало, впервые представленное публике, историческое полотно «Ысыах для Иохельсона» (2018), над которым художник работал более двадцати лет. Старинный фотоснимок, изображающий национальный якутский праздник, специально устроенный для известного исследователя, участника Джузеповской Северо-Тихоокеанской экспедиции Владимира Иохельсона в селе Чурапча 5 мая 1902 года, стал основой живописного произведения. Используя стилистику старой фотографии, художник творит свой вариант лирико-монументальной картины, где сюжетом является не действие, а состояние героев, определенный этнопсихологический феномен. Живописец вводит зрителя в замкнутый круг своих персонажей, где много личного, где образы оказываются имманентны автору. В частном эпизоде, запечатлённом в картине, словно спрессовалось время, разрешая зрителю почувствовать нечто в высшей степени характерное в облике людей, их чувствах, их отношениях и устремлениях.

Старая фотография стала сначала предметом изучения, а затем на долгие годы основой творческого метода художника. Об этом писали многие исследователи его искусства, отмечая с некоторой долей критичности увлечение живописца фотографией. Но у Эдуарда Васильева это не простое копирование фотоснимка, для него он, прежде всего, несет эстетическую ценность, подобно произведениям мемуарного жанра в литературе. В живописных произведениях отдельные моменты реальности из снимков приобретают обогащённую временем оценку на уровне восприятия следующими поколениями. Зрителя завораживает и гипнотизирует изображение в целом, их внимание приковывают подробности: облик людей, атрибуты обстановки, характерные и типические признаки быта, одежды и т. п. В живописи Эдуарда Васильева, аккумулирующей некий протяженный во времени исторический опыт, важна именно роль субъективного начала, значение личного видения, индивидуальное восприятие жизненных коллизий художником.

Центральное место в творчестве живописца занимает пейзаж. Природа Якутии во всей ее неброской красоте стала для Эдуарда Васильева неисчерпаемым источником вдохновения. Излюбленные мотивы пейзажных композиций, к которым он постоянно обращается, скромны и просты – тихие зеленые алаасы, старые деревья, покосившиеся изгороди, коновязи – сэргэ, заброшенные амбары, церкви. Во всех этих разных мотивах есть нечто общее – желание художника и в малом ощутить необъятность мира, бездонность неба. Пейзажам художника присущи достоверность, убедительность живописного повествования о волнующей красоте родного края («Село Намцы», 1973, «Последний снег», 1975, «Ствол лиственницы», 1976, «Голубой день», 1981, «Светлый вечер», 1982, «Пейзаж со старым амбаром», «Булгунняхтах. Светлый день», диптих «Ётёх», 1989; «Стога», «Август», «Летний день», 1990, «В начале зимы», 1991, «Июль», «Сэргэ», 1995, «Осенний вечер», «После дождя», 1997, «Жухлая трава», 2000 и др.)

В работах Эдуарда Васильева живут как бы два мироощущения. Одно – интимно-лирическое и философски-созерцательное, составляющие исходную канву творчества автора. Второе заключается в стремлении к обобщению, эпическому претворению пейзажного мотива, что придает образам спокойствие и величие. Сливаясь вместе и дополняя друг друга, эти начала рождают целостную картину мира.

Пейзажные произведения представляют собой пленэрные зарисовки небольшого формата, написанные под непосредственным впечатлением от натуры, где внимание сосредоточено на цветовом решении. Чаще всего — это панорамные пейзажи с уравновешенной композицией и разработанными планами. Особое внимание живописец уделяет изображению неба, которому часто отведены половина, а иногда и две трети холста. Торжественно и величественно поднимается оно, расцвеченное облаками, над широко расстилающимися алаасами, над лазурной гладью озер, над лугами и лесами. Внимание зрителя притягивает горизонт, подчеркивающий глубину пейзажей и соединяющий в гармоничное целое землю, воду и небо. Изображения человека на полотнах практически отсутствуют, но человек — это частица огромного мироздания, неотъемлемая часть природы и его незримое присутствие ощущается в протоптанных тропках, аккуратно собранных стогах сена.

Эдуард Васильев изображает не только картины родной природы. Часто бывая в Доме творчества «Академическая дача», расположенном под Тверью, художник создал серию пейзажей под названием «Академичка». Пейзажи «Избушка» (1978), «Деревня» (1980-е), «Пейзаж со стожком» (1980-е) и т.д., очаровывают красотой природы средней полосы России. Они небольшие по размеру, с горизонтальным форматом композиций. В цветовой гамме произведений преобладают различные оттенки серовато-серебристых, но не холодных, а теплых тонов. Художник местами то плотно записывает холст, то обобщенно прорисовывает редкую изгородь, то легким касанием кисти передает заснеженные очертания деревьев.

Жанр портрета составляет не менее важный раздел творчества художника. Эдуард Васильев создал целую живописную галерею портретных образов своих современников. Его герои, как правило, люди, прожившие большую сложную жизнь, хорошие знакомые художника — по отношению к которым, он испытывает личную симпатию. Это представители творческой интеллигенции, близкие и родные художника, старики и старушки – жители якутских деревень («Старейшие колхозники Ларионовы с правнуком», 1978, «Утро в мастерской. Портрет Василия Бочкарева», 1981, «Портрет художника Иннокентия Избекова», 1985, «Портрет А.И. Винокурова», 2004, «Портрет Ю.В. Спиридонова», 2014 и др.)

Выполняя портрет того или иного человека, мастер стремится не только к передаче внешнего сходства. Для него важно выразить непосредственное восприятие портретируемого и подчеркнуть его духовную сущность, акцентируя наиболее характерное в образе: будь то мудрость («Портрет народного писателя Якутии Д.К. Сивцева–Суорун Омоллона», 1984) или жизнелюбие («Портрет художника И.И. Попова», 1975).

В творческом активе мастера есть непосредственно-натурные портретные изображения, выполненные за один сеанс. К числу таких произведений относится «Портрет художницы Азалии Соргоевой» (1978).

Глубокий по тону серовато-серебристый фон создает впечатление пространства, наполненного приглушенным светом, в которое обобщенно вписывается фигура сидящей в непринужденной позе молодой женщины с устремленным куда-то вдаль задумчивым взглядом. Художник использует вертикальный формат и центрическую композицию, пытается передать пространство при помощи светотени. Лаконично дан свет, который падает сверху слева, и вносит необходимый контрастный цветовой акцент, что усиливает впечатление сложности колористического строя этюда, который воспринимается как портретный образ, родившийся из глубокого внутреннего контакта художника и модели.

«Портрет бабушки Александры» (1976) решен несколько иначе. Героиня изображена фронтально в полный рост сидящей на деревянной скамейке в привычной для нее естественной обстановке сельской избы. Использованная в качестве фона брусчатая стена дома позволяет живописцу передать домашний уют, атмосферу размеренного ритма жизни. Предметы народного прикладного искусства просто и ненавязчиво дополняют композицию, способствуют более глубокому раскрытию характера, национальных черт. Прост и скромен колорит портрета. Все в нем приближено к реальным краскам натуры. В его основе — цветовая гамма с преобладанием спокойных негромких темно-зеленых, золотисто-охристых тонов. Художник старается показать своеобразие внешнего облика и внутреннего мира старой женщины, подчеркивая такие черты ее характера как мудрость, спокойствие, гармонию сосуществования с окружающей средой.

«Портрет костореза С. Н. Петрова» (1977) отличается подчеркнуто декоративным решением. В затейливо-красочной обстановке, в многоцветном, насыщенном предметами якутского народного творчества интерьере, в центре композиции представлена крупная фигура сидящего мужчины. Образ содержит достаточно острую портретную характеристику. Свободная непринужденная поза представляет нам человека внимательного, основательного и спокойного.

Среди черт, которыми обладают эти и другие портреты, следует выделить наиболее характерные из них. Это лаконичность и непосредственность. Лаконичность в небольшом количестве видимых зрителю художественных средств, которыми пользуется при показе модели. Почти нигде нет аксессуарной нагруженности, дающей пояснение о роде деятельности портретируемых. Непосредственность в том, что нам не заметны следы долгого позирования. В основном художник пишет станковые по размерам портреты. На большинстве из них портретируемые изображены крупным планом в подчеркнуто–идентичных позах – позах покоя и отдохновения, со сложенными на коленях руками, как правило, в естественной обстановке – в мастерской, на фоне деревенской избы или на нейтральном фоне. В композиционном построении художник следует скупым выразительным средствам и монументальной значительности.

В 2000-е годы художника увлек жанр натюрморта. Его полотна с ягодами, фруктами, овощами, птицей, цветами, предметами народного быта насыщены живыми, звучными красками и выражают радость восприятия жизни («Натюрморт с грибами», 2007, Диптих «Натюрморт со старым подносом», 2011 и др.)

Чуткое внимательное отношение к окружающему мирозданию; нежная любовь к родной природе в ее самом будничном и в то же время поэтическом обличье; острая наблюдательность и глубокое понимание характера, нашедшие выражение в портретах; богатая внутренняя культура – характеризуют Эдуарда Васильева как большого художника, играющего значительную роль в развитии изобразительного искусства Якутии и России.

О художнике:

Васильев Эдуард Иосифович, живописец, Лауреат Государственной премии РСФСР в области искусства и литературы, заслуженный деятель искусств Республики Саха (Якутия) (1982), заслуженный художник Российской Федерации (2002), народный художник Якутии (2016). Родился 12 января 1943 года в г. Якутске. В 1963 году окончил Якутское художественное училище, в 1975 году – живописный факультет Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина в Ленинграде (мастерская профессора И. А. Серебряного). После института работал преподавателем Якутского художественного училища, успешно сочетая ее с интенсивной творческой деятельностью. С 2006 года работает преподавателем, доцентом Арктического государственного института искусств и культуры.

С 1975 года неоднократно ездил на «Академическую дачу», работал в Доме творчества «Сенеж» (1980), участвовал в работе творческой группы «По Индигирке» СХ РСФСР (1984) и Международного симпозиума по живописи в Пловдиве (Болгария, 1988).

В 1977 г. был принят в члены Союза художников СССР. В 1978 году награжден впервые учрежденной ежегодной премией ЦК ВЛКСМ, Министерства культуры РСФСР и Союза художников РСФСР за картину «Писатель Анемподист Софронов с отцом. 1907 год», дипломом Академии художеств СССР за картину «Моя дочь» (1981), медалью Президиума Верховного Совета СССР «За строительство Байкало — Амурской магистрали» (1986). В 1990 г. за картины «Политссыльный в Якутске», «Дети 30-х годов» художнику присвоено звание лауреата Государственной премии РСФСР – высшая награда для художников России.

С 1972 г. – участник республиканских, с 1974 г. – крупных всесоюзных, российских, региональных и зарубежных художественных выставок, представляющих искусство Якутии. Персональные выставки состоялись в 1978 (Якутск), 1992 (Москва), 1994, 2003, 2006 (Якутск). Произведения Э.И. Васильева хранятся в Национальном художественном музее РС (Я), Государственном Русском музее, в художественном музее Читы и др., в частных собраниях Якутии.

 

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *